Selected Works
Milano, Italia 🇮🇹
Lusvardi Galería
16.6.2023 ➝ 14.7.2023
Muestra colectiva junto a Vincent Grunwald y Giacomo Serpani
Fotos de Toni Brugnoli
Texto por Vincent Grunwald
“Fasade (engl.) Facciata (ital.) Fassade (dt.) Fachada (es.)”
Los edificios son la dimensión vertical del plano de la ciudad. Surgen del suelo y constan de raíces capsuladas en forma de sótanos y catacumbas que pueden darles estabilidad o protegerlos del agua. Los edificios suelen estar alineados hacia la calle, creando un valle que canaliza a los pasajeros en dos direcciones principalmente. El valle está formado por la calle, la acera y está limitado por los edificios.
Paralelamente al valle, el agua, la electricidad, el gas y las telecomunicaciones se canalizan a través de tubos y cables, conectando distintas partes y creando redes de formas diferentes. Todas estas redes también se expanden verticalmente en el espacio conectando las unidades de vivienda de los edificios, que están dispuestas unas encima de otras. Las tuberías pluviales recogen la lluvia que cae sobre el tejado de los edificios y la canalizan hacia la canalización. En el tejado nace un manantial que recoge el agua, la concentra con todas esas hojas y polvo amontonados y la convierte en un río que corre por debajo de la ciudad con el nombre de canalización.
Las fachadas de los edificios son su exposición pública, su rostro.
Los edificios se comunican a través de su fachada con el público.La cara del edificio habla del gusto de sus propietarios, de lo bien que se cuida el edificio, de si se limpia o no, de si hay pisos libres o no.Todo edificio tiene una entrada principal, la puerta que conecta al público con el interior de la casa. Todo lo que entra en la casa tiene que pasar por la puerta.La fachada oculta muchos procesos subyacentes que tienen lugar en el interior del edificio.
Las ventanas son el testigo de las calles.Durante la noche comunican si la luz de un piso está encendida o no y por ello indican posible actividad. También pueden indicar si alguien sigue despierto.
Las ventanas pueden permitirte echar un vistazo al interior del piso, a la atmósfera de ese espacio vital. Si hay movimiento en los habitantes o una televisión encendida que produce sombras horrendas en las paredes una vez que alguien pasa por delante. Una persona puede estar fumando junto a la ventana y ser un observador secreto de las calles. Las fachadas son la muestra de posibles testigos de lo que ocurre en la calle.
La exposición Fachadas reúne a artistas argentinos, alemanes e italianos que trabajan para activar las superficies de la ciudad. Han desarrollado métodos que abordan las posibilidades y significados del espacio urbano vertical, cómo interactuar con él, cómo representarlo o cómo transformarlo.
➝
Milano, Italy 🇮🇹
Lusvardi Gallery
16.6.2023 ➝ 14.7.2023
Group exhibition with Vincent Grunwald and Giacomo Serpani
Photos by Toni Brugnoli
Text by Vincent Grunwald
“Fasade (engl.) Facciata (ital.) Fassade (dt.) Fachada (es.)”
Buildings are the vertical dimension of the city map. They rise from the soil and consist of capsuled roots in the shape of basements and catacombs that can give them stability or protect them from water. The buildings are usually aligned towards the street, creating a valley that channels the passengers in mainly two directions. The valley consists of the street, the sidewalk and is limited by the buildings.
Parallel to the valley, water, electricity, gas and telecommunication are channelled through tubes and cables, connecting different parts and and creating differently shaped networks. All of these networks also expand vertically in space connecting living units in buildings, that are arranged on top of each other. Rain Pipes collect the rain that falls on the buildings roof and channel it towards the canalisation. There is a spring born on the roof gathering water, concentrating it with all those leaves and dust bundled into one and turning it into a river running below the city by the name of canalisation.
The facades of the buildings are their public display, their face. The buildings communicate through their facade with the public. The face of the building talks about its owners taste, about how good the building is taken care of, if it gets cleaned or not, if there is vacant flats or not. Every Building has a main entrance, the gate that connects the public and the interior of the house. Everything that enters the house has to pass the gate. The facade is hiding many underlying processes that are taking place inside of the building.
The windows are the witness to the streets. During night they communicate if the light of a flat is turned on or not and by that indicating possible activity. They might as well tell if somebody is still awake.
Windows could let you get a look inside of the flat, the atmosphere of that living space. If there is movement on inhabitants or a television turned on that leads to horrendous shadows on the walls once somebody walks in front of it. A person could be smoking at the window and be a secret observer of the streets. The facades are the display of possible witnesses of what is happening on the street.
The exhibition facades is uniting artist from Argentina German and Italy that are working on ways how to activate the surfaces of the city. They developed methods that are dealing with possibilities and meanings of the vertical urban space, how to interact with it, how to depict it or how to transform it.
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Proyecto independiente y autogestionado
Pintura acrílica y pintura texturada sobre muro de concreto
15 x 35 m
2023
Texto de Lupita Baliño
Fotos de Santiago Ortí
Video de Orco Videos y Ether Files
Este proyecto se concretó con el apoyo de Quimera Galería, Pasto Galería, Sinteplast, Impulso Cultural y Fundación Santander
•
Todas las llaves de esta esquina
En la continuación de “Una gotita en suspensión”, dos años después de la muestra en PASTO Galería que dió origen a esta acción, Jorge Pomar realiza una pintura de gran tamaño sobre la medianera de un edificio en San Telmo en la Avenida Independencia esquina Piedras.
La pared en cuestión exhibe las marcas propias de un edificio que fue cortado. Son los signos de una interrupción. Los rastros son sutiles, para notarlos hay que tener una mirada enamorada de la pared, que de alguna manera está esperando encontrar sus imperfecciones, sus roturas, sus grietas y sus partes lisas, pero sobre todo es una mirada atenta a la vida en el muro, a los vestigios del paso del tiempo y del paso de la experiencia de la vida por los lugares de la ciudad.
San Telmo tiene una fuerte cualidad hauntológica si se quiere, o fantasmática. Es una de las zonas más antiguas de Buenos Aires, y el paisaje con sus edificios y vistas va dando cuenta de lo que se mantiene, de lo que hay de nuevo, y especialmente de lo que ya no existe. El barrio ha ido cambiando notoriamente su morfología en particular en los últimos años, en parte por consecuencia del avance de la llamada gentrificación. Para las personas que lo habitan hace años caminar por esta zona puede significar ver en las calles sobreimpreso en lo que hay aquello que alguna vez hubo. Porque la historia puede pensarse de alguna manera como una figurita holográfica, que es varias cosas al mismo tiempo en un solo recorte: depende de dónde y cómo lo mires vas a ver una imagen u otra, o algo siendo en el cruce de dos cosas distintas.
Esta medianera -que ahora es cielo a la vista-, fue en algún momento un elemento más en un adentro, fue parte del cotidiano y de la intimidad de las personas que habitaron entre esas paredes. El muro ofrece un relato acerca del crecimiento de las ciudades, sus transformaciones y la planificación urbanística. Es un recordatorio sobre cómo los avances tecnológicos para la vida en las ciudades de alguna manera siempre generan interrupciones (a veces más silenciosas, otras más visibles y obvias) y operan bifurcaciones en una escala más micro e inadvertida: la que se dá en las historias, en las vidas de las personas
¿Puede ser que pintar el cielo en la fachada le dé a ésta un aura de protección? Como si fuese un acto psicomágico para esconder la fragilidad de nuestros días y protegernos de la acción del mundo: si hay cielo y no hay muro, esto ya no puede volver a destruirse. El ladrillo es vulnerable a la acción humana pero el cielo es irrompible.
Pienso que la representación del ladrillo a la vista forma parte del repertorio de imágenes posibles, virtuales y sincrónicas que se condensan en los lugares. En este sentido es que interesa insistir en seguir pensando en lo que hubo y en lo que sucedió con lo que estaba. Esta acción es un gesto de traer memoria, al mismo tiempo que un señalamiento del vacío: cuando hablamos de espacios que ya no están en realidad nos importa decir algo de las vidas transformadas por la desaparición de esos lugares.
Al alzar la mirada es bueno tener presente que tanto el cielo como el “arriba” son siempre terrenos de sentidos en disputa. El cielo no significa lo mismo para todes, ni es fácticamente el mismo para todes. No es accesible para todes por igual, e incluso hay quienes están privades de verlo. Histórica e ideológicamente el cielo puede ser sólo paisaje, ruta de navegación o ser la tierra final prometida. Puede ser territorio de conquistas tecnológicas o comerciales, o ser el objetivo de políticas que velen por la salud de quienes están debajo de él.
Pintar un cielo en una pared es ejercer una especie de gesto lúdico a partir de la acción del recorte y la relocalización que hace de la fachada una continuación del cielo. Hay un espejismo encerrado en los ladrillos, que puede ser una ilusión de tener el superpoder de traspasar las paredes. Pero también pintar un cielo en un muro es querer inaugurar un portal hacia el futuro, hacia la posibilidad de algo distinto, más diáfano, quizás utópico: una ciudad que no se repliegue gris sobre sí misma, sino que se abra hacia las nubes, que no sea pesada e intraspasable sino liviana; una ciudad donde pueda ponerse más atención al mundo rodeándolo todo. Así, pintar un cielo sobre una pared pública, se convierte en una propuesta poética y política: una invitación a no darlo nunca por sentado.
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Independent and self-managed project
Acrylic paint and textured paint on concrete wall
15 x 35 m
2023
Text by Lupita Baliño
Photos by Santiago Ortí
Video by Orco Videos and Ether Files
This project was supported by Quimera Gallery, Pasto Gallery, Sinteplast, Impulso Cultural and Santander Foundation
•
All the keys to this corner
In the continuation of “Una gotita en suspensión”, two years after the exhibition at PASTO Galería that gave rise to this action, Jorge Pomar makes a large painting on the wall of a building in San Telmo on Avenida Independencia at the corner of Piedras.
The wall in question exhibits the marks of a building that was cut down. They are the signs of an interruption. The traces are subtle, to notice them one must have a look in love with the wall, which somehow is waiting to find its imperfections, its breaks, its cracks and its smooth parts, but above all it is a look attentive to the life in the wall, to the vestiges of the passage of time and the passage of the experience of life through the places of the city.
San Telmo has a strong hauntological quality if you will, or ghostly. It is one of the oldest areas of Buenos Aires, and the landscape with its buildings and views shows what remains, what is new, and especially what no longer exists. The neighborhood’s morphology has been changing noticeably, particularly in recent years, partly as a result of the advance of the so-called gentrification. For the people who have lived there for years, walking through this area can mean seeing in the streets, superimposed on what is there, what once was there. Because history can be thought of in some way as a holographic figurine, which is several things at the same time in a single cutout: depending on where and how you look at it you will see one image or another, or something being at the crossroads of two different things.
This dividing wall -which is now a sky in sight-, was at some point one more element in an inside, it was part of the daily life and the intimacy of the people who lived within those walls. The wall offers a story about the growth of cities, their transformations and urban planning. It is a reminder of how technological advances for life in cities somehow always generate interruptions (sometimes more silent, sometimes more visible and obvious) and operate bifurcations on a more micro and unnoticed scale: the one that occurs in the stories, in the lives of the people.
Could it be that painting the sky on the facade gives it an aura of protection? As if it were a psychomagical act to hide the fragility of our days and protect us from the action of the world: if there is a sky and no wall, it can no longer be destroyed. The brick is vulnerable to human action but the sky is unbreakable.
I think that the representation of the brick in sight is part of the repertoire of possible, virtual and synchronic images that are condensed in places. In this sense, it is interesting to insist on continuing to think about what was there and what happened with what was there. This action is a gesture of bringing back memory, at the same time as a signaling of emptiness: when we speak of spaces that are no longer there, it is really important to us to keep thinking about what was there and what happened to what was there.
When looking up, it is good to keep in mind that both the sky and the “above” are always terrains of disputed meanings. Heaven does not mean the same thing to everyone, nor is it factually the same for everyone. It is not equally accessible to all, and there are even those who are deprived of seeing it. Historically and ideologically, the sky can be only a landscape, a navigation route or the final promised land. It can be the territory of technological or commercial conquests, or the target of policies that watch over the health of those below it.
To paint a sky on a wall is to exercise a kind of playful gesture from the action of cutting and relocation that makes the facade a continuation of the sky. There is a mirage enclosed in the bricks, which can be an illusion of having the superpower to pass through walls. But to paint a sky on a wall is also to want to inaugurate a portal to the future, to the possibility of something different, more diaphanous, perhaps utopian: a city that does not withdraw gray on itself, but that opens towards the clouds, that is not heavy and impassable but light; a city where more attention can be paid to the world surrounding it all. Thus, painting a sky on a public wall becomes a poetic and political proposal: an invitation to never take it for granted.
Estadio Polideportivo Islas Malvinas
20º Aniversario de TRImarchi
Colaboración junto a Elian Chali
Pintura acrílica sobre muro de concreto
Fotos de Leo Mercado y Santiago Vellini
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
Islas Malvinas Sports Stadium
20th Anniversary of TRImarchi
Collaboration with Elian Chali
Acrylic paint on concrete wall
316 x 7 m
2022
Photos by Leo Mercado and Santiago Vellini
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Grupo Naistat
Pintura acrílica sobre muro de concreto
3 x 43 m
2023
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Grupo Naistat
Acrylic paint on concrete wall
3 x 43 m
2023
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintura poliuretánica sobre muro y piso de concreto
7 x 2 x 2 m
2022
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Poliuretanic paint on concrete wall and floor sobre muro y piso
7 x 2 x 2 m
2022
Hurlingham, Argentina 🇦🇷
Serie “Cielos”
Pintura acrílica sobre muro de concreto
10 x 36 m
2022
➝
Hurlingham, Argentina 🇦🇷
“Cielos” series
Acrylic paint on concrete wall
10 x 36 m
2022
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Diego Bianchi
Pintura acrílica y membrana líquida sobre muro de concreto
30 x 6 m
2022
Hace un año empezamos a pintar “Rousseau” como un ensayo para otro proyecto que finalmente no salió. Utilizamos pintura acrílica y membrana líquida para techo. Nos camuflamos con los parches del asfalto de la calle, las grietas de brea, el bordó de los techos de chapa del barrio, el cielo celeste de las mañanas de invierno y las sombras pasajeras.
Pruebas y errores. Un año de encuentros esporádicos para gestar un dibujo sin destino.
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Diego Bianchi
Acrylic paint and liquid roofing membrane on concrete wall
30 x 6 m
2022
A year ago we started painting “Rousseau” as an exercise for another project that finally didn’t come out. We worked with acrylic paint and liquid roofing membrane. We camouflaged ourselves with the asphalt patches on the street, the cracks of tar, the burgundy of the sheet metal roofs of the area, the winter morning blue sky and the ephemeral shadows.
Trials and errors. One year of sporadic meetings to do a drawing without destiny.
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Serie “Extracciones”
Lana acrílica sobre tela panamá y marco de madera pintado con acrílico
52 x 72 cm
2022
Fotos de Santiago Ortí
➝
“Extractions” series
Acrylic wool on panama canvas and wooden frame painted with acrylic
52 x 72 cm
2022
Photos by Santiago Ortí
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
TEDx Río de la Plata
Pintura acrílica sobre muro de concreto
7 x 18 m
2021
Fotos de Grow Up Films
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
TEDx Río de la Plata
Acrylic paint on concrete wall
7 x 18 m
2021
Photos by Grow Up Films
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Casa FOA
Curado por Elio Kapszuk
Pintura acrílica sobre muro de concreto
15 x 17 m
2021
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Casa FOA
Curated by Elio Kapszuk
Acrylic paint on concrete wall
15 x 17 m
2021
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Centro de arte MUNAR
23.10.2021 ➝ 20.11.2021
Muestra colectiva junto a Nacha Canvas y Franco Fasoli
Curaduría y texto por Joaquín Barrera
Producción de Quimera Galería
Montaje por Alejandro Bonzo
Iluminación por Alvaro
Flyer de Nina Kunan
Asistencia de producción de Ignacio Arias y Beatriz Casado
Fotos de Catalina Romero
En el año 1928 un inmigrante flandés que venía a hacerse la América instaló en Carlos Jáuregui – en cercanías de Luján (Provincia de Buenos Aires)- la Algodonera y Textil Flandria, empresa que se convirtió rápidamente en un proyecto de alto impacto social, económico, deportivo y comunitario. La fábrica, compuesta en su personal por inmigrantes flandeses y por migrantes internos de las provincias de todo el país, proponía en su tejido comunitario formas innovadoras de socialización entre sus obreros con el fin de generar nuevos modos asociativos que incentivaran la producción pero también el ocio y la recreación. Ese trabajo mancomunado y organizado entre los propios obreros pronto se vio reflejado en un sinfín de actividades y desarrollos integradores como la construcción de vivienda social, la revista cooperativa “El telar”, una escuela, un club ciclista, un club náutico y finalmente el Club Social y Deportivo Flandria. Por el acelerado proceso de desindustrialización que vivió nuestro país a fines del siglo pasado la Algodonera cerró sus puertas en 1995. Sin embargo, las instituciones culturales, deportivas y sociales que se desprendieron de Flandria aún siguen en pie, como un símbolo de la lucha de una comunidad organizada.
Esta exhibición reúne a tres artistas (Nacha Canvas, Franco Fasoli y Jorge Pomar) que para producir su obra circulan por distintas ciudades, geografías y paisajes y llevan en sus trazos, en sus paletas, en su poética y en sus modos de producir lo autóctono de cada lugar del que vienen (y también del que provienen), activando recursos de memoria propios de las comunidades que habitan. Los intensos movimientos migratorios, internos y externos, generan afectaciones sobre sus procesos de trabajo, adquiriendo nuevas capas de significantes sobre su propia producción.
A partir de la idea de dividir el espacio en dos formatos aparentemente contrapuestos -por un lado una exhibición más intimista y por el otro una más monumental -las obras presentadas en las dos salas proponen nuevos relatos sobre lo doméstico y lo urbano, sobre los paisajes del adentro y del afuera y sobre los distintos modos de acercarse a la producción de visualidades en el territorio argentino, poniendo especial foco en el gesto sensible de la tradición formal de las prácticas más ligadas a lo artesanal como el textil, el fresco y la cerámica.
Los paisajes que presenta Franco Fasoli en esta exhibición son netamente mundanos y evocan imaginarios de tribus comunitarias de barrio, de la acción, del bardo, de tomar la calle. En el lado oscuro de las salas presenta un recorte de 20 bocetos realizados durante sus más de 20 años de artista del graffiti y del mural. Una pequeña antología fantástica. Casi la totalidad de esos dibujos fueron llevados del papel a la pared en distintas ciudades del mundo. En la sala principal, Fasoli en cambio exhibe una instalación de sitio específico pensada para esta muestra y en donde reconstruye la historia del mural en la argentina. Un fresco que aparenta haber sido extraído de la pared – operación que tiene una historia de detractores y matafuegos en la historia reciente de argentina- es exhibido derrumbándose sobre un andamio. La imagen que nos devuelve el fresco es un poderoso homenaje a la historia del arte urbano local, en donde conviven virtuosos como Berni, Carpani, Soldi, Alfredo Guido con lo contemporáneo de Siquier en el subte así como con la pared de Homeros más grande del mundo del record Guiness.
Nacha Canvas en cambio propone un paisaje de lo incierto, de lo frágil, de lo que arrastra el viento, de lo que amontona el tiempo. O quizás solo sea una certeza, la única posible: cuando ya no estemos más acá y ya no quede nada sólo habrá arcilla, fruto milenario, perenne y precioso de la tierra. En la sala oscura, un plástico contiene restos de pequeñísimos pedazos craquelados del material adherido a una piel que se derrumba y que cae por fuerza propia. En la sala principal, una gran instalación de polvo de arcilla apenas peinada por la artista pareciera evocar a los períodos de formación geológica, a los paisajes de un desierto, a las placas tectónicas, al interior de una montaña. En las paredes, obras realizadas en arcilla cocida pegada sobre tela y levemente coloreadas con pigmentos construye geografías diminutas y fragmentadas que de algún modo se convierten en mapas escolares de provincias, ciudades y poblados inventados, de llanuras y pampas, de mesetas y relieves olvidados.
Las obras de Jorge Pomar son en cambio un paisaje intermedio. Algo así como un limbo entre lo pesadamente mundano y lo armonioso y sereno del mundo espiritual y celestial. En la sala principal, el artista recrea el gesto de tomar las arcadas propias de la arquitectura de Munar para cerrar puertas que abren a otras dimensiones. Esas arcadas textiles son tapias de un lado y cielo del otro, como si fuese una puerta a derribar para poder salir a jugar. En una de sus caras las paredes tienen las marcas e inscripciones de la calle, del barrio, de una comunidad de graffiteros que toma como lienzos a las paredes de ladrillos. Ese gesto de llenar estas tapias de tags de sus colegas es -desde un costado autobiográfico-una evocación a su historia personal y a su modo de ser artista y – desde una mirada global- una forma de construir una genealogía y un boceto de una historia del arte urbano. En la sala pequeña, en cambio, reformula la operación y la sintetiza, presentándonos ladrillos reales forrados en ladrillos textiles sobre unos pedestales de nubes que se elevan hacia otros universos, proponiendo nuevas formas de pensar el vínculo entre la tierra y el cielo.
Flandria es la posibilidad de un país imaginario, de re-crear paisajes nuevos y otras formas de asociativismos. Flandria es la añoranza de un tiempo, una fábrica olvidada, el barrio que nos crió, el sueño de una vida construida colectivamente. Flandria es la infancia que ya se nos fue, la memoria de un pueblo, los recuerdos de provincia, las manos manchadas con arcilla. Flandria es una apuesta, en tiempos mecanizados, por el poder sagrado del oficio del artista.
•
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
MUNAR Art Center
23.10.2021 ➝ 20.11.2021
Group exhibition with Nacha Canvas and Franco Fasoli
Curatorial work and text by Joaquín Barrera
Produced by Quimera Galería
Assistance by Alejandro Bonzo
Lighting by Alvaro
Flyer by Nina Kunan
Production assistance by Ignacio Arias and Beatriz Casado
Photos by Catalina Romero
In the year 1928 a Flemish immigrant who came to become America settled in Carlos Jáuregui – near Luján (Province of Buenos Aires) – the Flandria Cotton and Textile Corporation, a company that quickly became a project with a high social, economic, sportive and comunal impact. The factory, biult by Flemish immigrants and internal migrants from provinces throughout the country, brought to its community innovative forms of socialization among its workers, in order to generate new associative modes that would encourage production but also leisure. and recreation. This joint and organized work among the workers was soon reflected in a myriad of activities and integrative developments such as the construction of social housing, the cooperative magazine “El Telar”, a school, a cycling club, a yacht club and finally the Flandria Social and Sports Club. Due to the accelerated process of deindustrialization that our country experienced at the end of the last century, the Corporation closed its doors in 1995. However, the cultural, sports and social institutions that were detached from Flandria are still standing, as a symbol of the struggle of an organized community.
This exhibition brings together three artists (Nacha Canvas, Franco Fasoli and Jorge Pomar) who, in order to produce their work, travel through different cities, geographies and landscapes, and carry in their strokes, in their palettes, in their poetics and in their ways of producing the autochthonous of the places from which they come, activating memory resources which are typical of the communities they inhabit. The intense migratory movements, both internal and external, generate different effects on their work processes, acquiring new layers of signifiers on their own production.
Based on the idea of dividing the space into two apparently opposing formats – on the one hand a more intimate exhibition and on the other a more monumental one – the works presented in the two rooms propose new stories about the domestic and the urban, about landscapes. inside and outside, and on the different ways of approaching the production of visualities in the Argentine territory, with special focus on the sensitive gesture of the formal tradition of the practices most linked to the artisanal such as textiles, frescoes and ceramics .
The landscapes that Franco Fasoli presents in this exhibition are clearly mundane and evoke images of neighborhood community tribes, of action, of the messy, of taking the streets. In the small room he presents a cutout of 20 sketches made during his more than 20 years as a graffiti and mural artist. A fantastic little anthology. Almost all of these drawings were taken from paper to wall in different cities around the world. In the main room, Fasoli exhibits a site-specific installation designed for this show, where he reconstructs the history of muralism in Argentina. A fresco that appears to have been extracted from the wall – an operation that has a history of detractors and fire extinguishers in the recent history of our country – is exhibited collapsing on a scaffold. The image that the fresco gives us is a powerful tribute to the history of local urban art, where virtuosos such as Berni, Carpani, Soldi and Alfredo Guido coexist with Siquier’s contemporary work on the subway, as well as with the greatest Homer in the world (Guinness record).
Nacha Canvas, on its side, proposes a landscape of the uncertain, of the fragile, of what the wind drags, of what time piles up. Or perhaps it is just a certainty, the only one possible: when we are no longer here and there is nothing left, there will only be clay, the ancient, perennial and precious fruit of the earth. In the small room, a piece of plastic contains the remains of tiny, cracked pieces of the material adhering to a collapsing skin. In the main room, a large installation of clay dust combed and shappen by the artist seems to evoke the periods of geological formation, the landscapes of a desert, the tectonic plates, the interior of a mountain. On the walls, works made of cooked clay glued on cloth and slightly colored with pigments build tiny and fragmented geographies that somehow become school maps of invented provinces, cities and towns, of plains and pampas, of forgotten plateaus and reliefs.
Jorge Pomar’s works are an intermediate landscape. Something like a limbo between the heavily mundane and the harmonious of the spiritual and heavenly world. In the main room, the artist recreates the gesture of taking the typical arches of Munar’s architecture to create doors that open to other dimensions. These textile arches are walls on one side and skies on the other, as if it were a door to break down in order to go out to play. On one of its faces the walls have the marks and inscriptions of the street, the neighborhood, a community of graffiti artists who take the brick walls as canvases. That gesture of filling these walls with tags from his colleagues is -from an autobiographical side- an evocation of his personal history and his way of being an artist and -from a global perspective- a way of constructing a genealogy and a sketch of a history of urban art. In the small room, on the other hand, he reformulates the operation and synthesizes it, presenting us with real bricks covered in textile bricks on pedestals of clouds that rise towards other universes, proposing new ways of thinking about the link between earth and heaven.
Flandria is the possibility of an imaginary country, of re-creating new landscapes and other forms of associationism. Flandria is the longing for a time, a forgotten factory, the neighborhood that raised us, the dream of a life built collectively. Flandria is the childhood that has already left us, the memory of a town, the memories of the province, the hands stained with clay. Flandria is a bet, in mechanized times, for the sacred power of the artist’s craft.
Serie “Flandria”
150 x 275 cm
Alfombra confeccionada con lana acrílica sobre tela Panamá, pintura acrílica al agua sobre lienzo y cadenas de metal
•
“Flandria” series
150 x 275 cm
Carpet made with acrylic wool on Panama canvas, acrylic water-based paint on canvas and metal chains
Serie “Flandria”
160 x 290 cm
Alfombra confeccionada con lana acrílica sobre tela Panamá, pintura acrílica al agua sobre lienzo y cadenas de metal
•
“Flandria” series
160 x 290 cm
Carpet made with acrylic wool on Panama canvas, acrylic water-based paint on canvas and metal chains
Serie “Flandria”
160 x 285 cm
Alfombra confeccionada con lana acrílica sobre tela Panamá, pintura acrílica al agua sobre lienzo y cadenas de metal
•
“Flandria” series
160 x 285 cm
Carpet made with acrylic wool on Panama canvas, acrylic water-based paint on canvas and metal chains
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Franco Fasoli
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto
10 x 3 m
2021
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Franco Fasoli
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall
10 x 3 m
2021
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Catanzaro, Italia 🇮🇹
Altrove Project
Serie de 14 banderas
Instalación permanente en calle peatonal Discesa Carbone
Montadas con broches de plástico sobre tendederos encontrados
Confeccionadas en acetato y a máquina en distintas casas de Buenos Aires, Paris y Catanzaro entre abril y julio 2017
Medidas variables
Asistencia de Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO y Karen Bohorquez Minano
Gracias a Edoardo Suraci y Vincenzo Costantino
•
Catanzaro, Italy 🇮🇹
Altrove Project
14 flags series
Permanent installation in pedestrian street Discesa Carbone
Installed with plastic clips on found clotheslines
Machine made in acetate in different homes of Buenos Aires, Paris and Catanzaro between April and July 2017
Variable measures
Assistance by Gaetano Pullano, nonna Teresa Loprete, mama Antonella Loprete, Luca Gerace, Antonin Hako, Yang MO and Karen Bohorquez Minano
Thanks to Edoardo Suraci and Vincenzo Costantino
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Galería Pasto
13.2.2021 ➝ 21.5.2021
Muestra dúo junto a Federico Cantini
Fotos de Florencia Lista
Asistencia de Tato Conte Mac Donell
Nota de Laila Calantzopoulos en Revista Otra Parte
Nota de Tato Conte Mac Donell en Ramona
Texto de Joaquín Barrera
Adentro de una habitación que nadie habita hay mucha agua concentrada. Son lluvias que llueven al revés, mares espesos que se secan, tormentas feroces que inundan suelos plagados de mica brillante y un río bravo de agua dulce que baña las piedras de su cauce. De una nube quiere caer una gota. El agua es una deidad que asciende misteriosa y, después, llora del cielo.
Es que ese celeste intangible son capas infinitas superpuestas de aire apelotonado, veladuras de lo desconocido, una obsesión sin salida que no tiene comienzo ni final. De un paisaje a una ventana sin cortinas, de una ciudad contaminada a la pureza de un pueblo polvoriento, de la historia del arte a un dibujo animado, de un protector de pantalla de Windows al reto de un maestro de plástica por no cubrir la hoja entera. Los cielos son imágenes repetidas, reproducidas hasta el agotamiento, filmadas en todas sus variantes, impresas en millares de fotografías, pintadas en infinidad de frescos y telas embastadas. Porque el cielo, al final del día, es siempre un protagonista que nunca deja de estar invitado. Adentro y afuera. En lo natural y en la ficción. En lo orgánico y en lo consumible.
Jorge Pomar viene del afuera, de un mundo sin encierros, de una llave colgada en el cuello para patear la calle, de jugar al aire libre y de intentar tocar el cielo con las manos parado arriba de un andamio. Pero también vive en un adentro intangible, en un lugar al que se entra por un tubo cloacal verde, con monedas en los ladrillos, honguitos que te hacen crecer y cactus carnívoros que te quieren comer. Y que tiene un cielo gigante con nubes de algodón pero que también es una escalera de ascensión hacia otros nuevos jugares.
Las obras presentadas en sala dan cuenta de que creció con todas esas contradicciones de finales del siglo pasado, que deambula del rancheo en la vereda al encierro de los videojuegos, de la política de masas a una educación cívica moldeada en tv durante la hora de la cena (o el homo-videns de la videopolítica sobre el que escribía Giovanni Sartori), de los estados-nación modernos y sus símbolos coloridos a la sobriedad estetizada de la geopolítica supranacional, de una generación híper-estimulada por el consumo a la crisis de representación que se rebela tímidamente con imágenes editadas y gestos performativos.
Las banderas – hackeadas, parchadas, adulteradas y resignificadas en una operación callejera que remite al graffiti – conviven con las pinturas de esos cielos abiertos en una sensación de libertad teledirigida y sobre actuada. Están suspendidas, no flamean, no agitan marchas militares ni clarines de guerra. Sólo están ahí, detenidas, quietas, inmóviles, al alcance de la mano, fuera del aura institucional y listas para ser manoseadas. Cuelgan de un cielo que no se ve pero que también podría ser un piso. El espejo invierte nuestros cuerpos y las dimensiones se pierden. En este lugar el cielo se puede tocar y lo sagrado ya no existe. O quizás sólo sea un teatro que presenta una ilusión romantizada de poder, al fin, cambiar el cauce de la historia.
Pero el aire aún está pesado y se avecina una tormenta. Sobrevuelan en el ambiente sensaciones hostiles, ajenas, ensangrentadas. Esas banderas son estandartes de la violencia de un patriotismo estatal siniestro, militarizado y policial. Con el silencio y el aval de los medios y del mercado crece a pasos agigantados la carrera armamentista y bacteriológica y los bloques geopolíticos y los sistemas de poder se mueven como piezas de ajedrez dejando a su lado campos estériles de peones heridos. El agua, contaminada y podrida que sube al cielo, está a punto de crujir. Ronda en el ambiente una angustia sincera de que algo está por pasar pero que nunca sucede del todo. Hay una tensión visible entre el estado de suspensión de una gota que nunca cae, en un vaso que está a punto de rebalsar.
A nuestros costados, sólo hay aire podrido. Arriba y abajo, el vértigo del vacío. Y en el medio, mucha combustión gaseosa que se hace nube y me licúa la vista. Afuera, el caos que construimos. Adentro, una pregunta que desde hace un tiempo retumba en mi cabeza sin parar: ¿Qué hago en un lugar que no tiene piso ni techo?
1 Sartori, Giovanni (1997). “Homo-videns: la sociedad teledirigida”. Editorial Taurus.
2 Esta pregunta pertenece a Diana Aisenberg y formó parte de una de las listas fundamentales que sirvieron de contención afectiva durante la primera parte del 2020 en el MDA.
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pasto Gallery
13.2.2021 ➝ 21.5.2021
Duo exhibition next to Federico Cantini
Photos by Florencia Lista
Assistance by Tato Conte Mac Donell
Note by Laila Calantzopoulos in Revista Otra Parte
Note by Tato Conte Mac Donell in Ramona
Text by Joaquín Barrera
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintura acrílica sobre muro de concreto
20 x 5 m
2020
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Acrylic paint on concrete wall
20 x 5 m
2020
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Espacio público escondido
11.10.2020
Muestra colectiva junto a Julia Sbriller, David Pitucardi, Roberta Di Paolo y Maruts Ballet
•
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Hidden public space
11.10.2020
Group exhibition next to Julia Sbriller, David Pitucardi, Roberta Di Paolo and Maruts Ballet
Collage sobre tela, marco de madera pintado y vidrio
Papel Fabriano 200 g/m2
150 x 150 cm
•
Collage on canvas, painted wood frame and glass
Fabriano paper 200 g/m2
150 x 150 cm
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados sobre asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Bandera: 90 x 140 cm
Asta: 227 cm
Base: Ø 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
•
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches, bow with golden fringes on pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Flag: 90 x 140 cm
Pole: 227 cm
Base: Ø 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
Colaboración junto a Robi Alfano
Editado y publicado por Bucle Editorial
Diseño de tapa: Sebastián Roitter
Textos: Diego Fadda
Impresión: Club del Prado
Encuadernación: Cooperativa El Zócalo
Producción: Bucle Editorial, Gorgo & Altrove
Video por Gorgo
1º edición: 120 copias (junio 2019)
Selladas y numeradas
Textos en italiano e inglés
60 páginas
Impresión en risografía
Encuadernación binder
Tapa blanda
Contratapa rígida
Papel Oikos 150 g/m2
25 x 35 x 1,5 cm
920 g
Impreso en Buenos Aires, Argentina
➝
Collaboration with Robi Alfano
Edited and published by Bucle Editorial
Cover design: Sebastián Roitter
Texts: Diego Fadda
Printing: Club del Prado
Binding: Cooperativa El Zócalo
Production: Bucle Editorial, Gorgo & Altrove
Video by Gorgo
1st edition: 120 copies (June 2019)
Sealed and numbered
Italian and English texts
60 pages
Risograph printing
Perfect binding
Soft cover
Hard back cover
Oikos paper 150 g/m2
25 x 35 x 1,5 cm
920 g
Printed in Buenos Aires, Argentina
Muestra colectiva
Córdoba, Argentina 🇦🇷
CC220
15.3.2019 ➝ 14.4.2019
Curada por Nicola
NHC explora los elementos externos al humano que de alguna forma conectan con sus más profundas emociones para definirlo como ser emocional.
De la construcción innecesaria a la reflexión liberadora.
Non Human Collective, muestra de sitio específico en el que 9 artistas, convocados en esta única oportunidad, abordan un espacio interior en distintos soportes y técnicas (látex sobre pared, obras realizadas en otro contexto, animaciones, video, spray sobre pared, paste up, etc) construcción de una nueva realidad, manifestaciones de la reflexión personal.
•
Group exhibition
Córdoba, Argentina 🇦🇷
CC220
15.3.2019 ➝ 14.4.2019
Curated by Nicola
NHC explores the elements external to the human that somehow connect with his deepest emotions to define him as an emotional being.
From unnecessary construction to liberating reflection.
Non Human Collective, a specific site exhibition in which 9 artists, summoned on this one occasion, approach an interior space using different media and techniques (latex on a wall, works made in another context, animations, video, spray on wall, paste up, etc) the construction of a new reality, manifestations of personal reflection.
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
Diameter: 28 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
Diámetro: 28 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
22 x 35 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
22 x 35 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
25 x 37 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
25 x 37 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
25 x 20 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
25 x 20 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
25 x 20 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
25 x 20 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
18 x 32 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
18 x 32 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic and lit candle
18 x 32 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada y vela prendida
18 x 32 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
Collage
Fabriano 220 g/m2 paper on canvas painted with acrylic
246 x 183 cm (diptich)
•
Collage
Papel Fabriano 220 g/m2 sobre tela pintada con acrílico
246 x 183 cm (díptico)
27 min
Camera, direction and production: Jorge Pomar
Manager producer and film editor: Florencia Tissera (E.D.A.)
Script consultant: Natali Aboud
Original soundtrack and sound editor: Emanuel Manso
Color grade: Luciano Taccone
Filmed with iPhone 5s between 2012 and 2015 in Argentina, Uruguay, Chile, Brazil, Italy, Hungary, Switzerland, Austria, Israel, Palestine, United States, France, Germany and Turkey.
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Ceremony flag made of gross silk, intervened with sewn polyester patches and bow with golden fringes
90 x 140 cm
Pole and ceremony base made of polished wood with chromed bronze spout
Height: 227 cm
Diameter: 31 cm
Photos by Josefina Tommasi
•
Serie “SMILE OR DIE”
Bandera de ceremonia confeccionada en gross de seda, intervenida con parches cosidos de polyester y moño con flecos dorados
90 x 140 cm
Asta y base de ceremonia de madera lustrada con caño de bronce cromado
Altura: 227 cm
Diámetro: 31 cm
Fotos por Josefina Tommasi
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
140 x 15 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
140 x 15 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
18 x 16 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
18 x 16 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
14 x 14 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
14 x 14 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
110 x 35 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
110 x 35 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
22 x 18 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
22 x 18 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
105 x 40 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
105 x 40 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
40 x 32 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
40 x 32 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
14 x 14 cm (1:1 scale)
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
14 x 14 cm (escala 1:1)
“SMILE OR DIE” series
Glazed ceramic
25 x 15 cm
•
Serie “SMILE OR DIE”
Cerámica esmaltada
25 x 15 cm
“International Madness Logistics Program 2020”
Edition of 30 copies
7 colors silkscreen
Signed and numbered
Creative Board 270 g/m2 paper
50 x 70 cm
Produced by Materia Viva
Photo by Alejandro Solmesky
Printed by House of Prints in Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
•
“International Madness Logistics Program 2020”
Edición de 30 copias
Serigrafía a 7 colores
Firmadas y numeradas
Papel Creative Board 270 g/m2
50 x 70 cm
Producidas por Materia Viva
Foto por Alejandro Solmesky
Impresas por House of Prints en Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Galería Quimera
9.11.2018 ➝ 21.12.2018
Muestra dúo junto a Dana Ferrari
Curada por Diego Bianchi
Performance de Andrés Gorzycki, Felipe Alvarez Parisi, Mia Superstar y Z
Asistencia de Nina Kunan, Felipe Alvarez Parisi, Mía Superstar y Z
Fotos de Victoria Robledo
“La destrucción de lo sagrado”
“El parangolé rodó por los jardines, arrastrando a la masa oscilante
que antes se acodaba contemplativa frente a los cuadros…
Fue la primera vez que el pueblo entró en el museo.”
Waly Salomão, “Hélio Oiticica: Qual é o parangolé? E outros escritos”
Qué pasó, qué pasó… que frente a nuestros ojos y bajo nuestros pies se desfigura el tablero y en la nueva partida, en el nuevo mundo, sólo existe la determinación de ser los peones que irán al muere. Somos superados por la imposibilidad y sólo nos resta estar a merced de todo.
Reagruparse parece ser el único atenuante fuera de toda estructura arrasada.
A llorar y reír. Reírse puede ser el más vital de los actos, el más indómito y por lo tanto revolucionario. Quien se ríe de un poder lo hiere de muerte.
¿Habrá algo más desestabilizador que tomarse lo existente como relativo?
La declaración de guerra contra lo establecido por el sólo principio de serlo.
Erosionar las formas de lo dado abre el abismo de indeterminación y posibilidad.
Jugar a lo que sea con pasión, jugársela, desperdiciar el tiempo en eso, desperdiciar y jugar, es lo único serio que podemos hacer.
Declare la guerra al jugador rojo, declare la guerra al jugador de la derecha o conquiste África y Oceanía, para mantener el juego jugándose…
Acaso sólo la contingencia provoque autoconciencia y pensamientos nuevos.
Los símbolos del poder que se derritan en pura alegoría, estereotipo, cliché, que vuelvan más cosa la “cosa” señalada, la remitan a su forma banal como cosa del mundo, por lo tanto absurda, patética, profanable, intercambiable y prescindible.
Todo puede cambiar, todos somos intercambiables, las obras de arte pueden fugarse y reírse de vos.
Cualquier peón puede lograr su jaque mate.
Jorge Pomar presenta su práctica desbordada en series simultáneas que viene desarrollando desde 2015: banderas travestidas, dibujos profusamente vitalistas y cerámicas absurdamente utilitarias.
Cada expansión que hace es pura oportunidad abierta para toquetear códigos dormidos con barullo y picardía del afuera, para desbordar configuraciones, para enturbiar y recomponer poéticamente la hecatombe del mundo.
Diego Bianchi
23 OCT 2018
Buenos Aires
•
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Quimera Gallery
9.11.2018 ➝ 21.12.2018
Duo exhibition next to Dana Ferrari
Curated by Diego Bianchi
Performance by Andrés Gorzycki, Felipe Alvarez Parisi, Mia Superstar and Z
Assistance by Nina Kunan, Felipe Alvarez Parisi, Mía Superstar and Z
Photos by Victoria Robledo
“Destroying what is sacred”
“The parangolé rolled around the gardens, dragging along with it the oscillating
crowd that had previously been leaning contemplatively in front of the pictures…
It was the first time the people went into the museum.”
Waly Salomão, “Hélio Oiticica: Qual é o parangolé? E outros escritos”
What happened, what happened… when in front of our eyes and under our feet the board becomes disfigured and in the new game, in the new world, all that exists is the determination to be the pawns who head to their death. We are overcome by impossibility and all that is left is for us to be at the mercy of everything.
Regrouping seems to be the only mitigation beyond all razed structures.
Let us laugh and cry. Laughing might be the most vital of all acts, the most irrepressible and therefore the most revolutionary. He who laughs at power strikes it with a mortal wound.
Is there anything more subversive than taking whatever exists as relative.
A declaration of war against what is established, purely on the grounds that is what it is.
Eroding the forms of what is a given opens the abyss of uncertainty and possibility.
Play whatever you play with passion, take a risk, squander time on it, squander and play, that is all we can do.
Declare war against the red player, declare war against the right-wing player or conquer Africa and Oceania, to keep the game playing itself…
Perhaps only contingency can provoke self-awareness and new thoughts.
Symbols of power that melt into pure allegory, stereotype, cliché, that become more of a thing than the “thing” itself, alluding to its banal form as a thing of the world, and as such, absurd, pathetic, desecratable, exchangeable and expendable.
Everything can change, we are all exchangeable, works of art can run away and laugh at you.
Any pawn can achieve its very own check mate.
Jorge Pomar presents his overwhelmed practice in the simultaneous series that he has been developing since 2015: cross-dressed flags, thoroughly vitalistic drawings and absurdly utilitarian ceramics.
Each expansion he makes is a wide open opportunity to tweak dormant codes using melee and mischievousness, to crack configurations, to poetically sully and reassemble the hecatomb of the world.
Diego Bianchi
23 OCT 2018
Buenos Aires
“Hábitat construido” series
Edition of 40 copies
3 colors silkscreen
Signed and numbered
Arjowiggins Rives Tradition 270 g/m2 paper
35 x 50 cm
Printed by Atelier Burano in Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
•
Serie “Hábitat construido”
Edición de 40 copias
Serigrafía a 3 colores
Firmadas y numeradas
Papel Arjowiggins Rives Tradition 270 g/m2
35 x 50 cm
Impresas por Atelier Burano en Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Edition of 8 copies
5 colors silkscreen
Signed and numbered
270 g/m2 paper
50 x 50 cm
Produced by Altrove Project
Printed by 56Fili in Rome, Italy 🇮🇹
•
Edición de 8 copias
Serigrafía a 5 colores
Firmadas y numeradas
Papel 270 g/m2
50 x 50 cm
Producidas por Altrove Project
Impresas por 56Fili en Roma, Italia 🇮🇹
“International Madness Logistics Program 2017”
Edition of 20 copies
5 colors silkscreen
Signed and numbered
250 g/m2 paper
50 x 65 cm
Printed by Soleil de nuit at Les Ateliers Wonder, Paris, France 🇫🇷
•
“International Madness Logistics Program 2017”
Edición de 20 copias
Serigrafía a 5 colores
Firmadas y numeradas
Papel 250 g/m2
50 x 65 cm
Impresas por Soleil de nuit en Les Ateliers Wonder, Paris, Francia 🇫🇷
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
“29.10.2020 · 10.00hs
Sol en Escorpio
Luna en Aries
Ascendente en Capricornio”
Pintura acrílica sobre muro y piso de concreto
3 x 8 x 2 m
2020
Drone por Leodesdelaire
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
“29.10.2020 · 10.00hs
Sun in Scorpio
Moon in Aries
Ascendant in Capricorn”
Acrylic paint on concrete wall and floor
3 x 8 x 2 m
2020
Drone by Leodesdelaire
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Casa Omar
Pintura acrílica sobre techo de tejas
8 x 6 m
2020
“HOLA” es una intervención en el techo de Casa Omar, la casa-taller donde vivo. Durante el día 38 de la cuarentena, en una crisis de ansiedad por la imposibilidad de salir a pintar a la calle hice esta pintura, en la que también escribí mi dirección de mail. Días mas tarde mi casilla de correo se llenó de mensajes e imágenes enviadas por vecinxs anónimxs, incluso algunas amenazas. De esta manera comenzó un nuevo modo de comunicación digital con personas que desconozco personalmente.
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Casa Omar
Acrylic paint on tile roof
8 x 6 m
2020
“HOLA” is an intervention on the roof of Casa Omar, the house-studio where I live. During the 38th day of the quarantine, in an anxiety crisis due to the impossibility of going out to paint in the street, I made this painting, in which I also wrote my e-mail address. Days later my mailbox was filled with messages and images sent by anonymous neighbors, including some threats. Thus began a new way of digital communication with people I do not know personally.
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Colaboración junto a David Petroni
Pintura acrílica sobre muro de concreto
10 x 8 m
2019
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboration with David Petroni
Acrylic paint on concrete wall
10 x 8 m
2019
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Feria Migra
Curado por Luis Juárez
Pintura acrílica sobre portón de metal
6 x 5 m
2019
Foto de Nahuel
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Feria Migra
Curated by Luis Juarez
Acrylic paint on metal gate
6 x 5 m
2019
Photo by Nahuel
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Serie “Herencia de Buenos Aires”
Proyecto independiente y autogestionado
Pintura acrílica sobre muro de concreto
2 x 31 m
2018
Drone de Unlimited.fly y Aerovisuales
Video dirigido por Orco Videos y Juan Ignacio Zevallos
Diseño web de Los Caballos: 64tonosdebuenosaires.com.ar
Durante varios meses conversé con amigxs, taxistas, mozxs, transeúntes y anónimxs sobre una pregunta que me atrapó: ¿cuál es la canción que representa a Buenos Aires?
De Piazzolla a Sumo, de la Tana Rinaldi a DJs Pareja, pasando por Ca7riel y Soda Stereo, empecé a juntar respuestas en una lista de Spotify que llamé “64 tonos de Buenos Aires“.
Una noche salí a caminar por el centro. “Amor Buenos Aires” de Jorge López Ruiz fue el primer tema que sonó en mis auriculares. Me perdí por Diagonal Norte y San Martín, buscando pistas en alguna pared escrita o algún bar. En una esquina alguien me cantó “El carrero y el cochero”, un tango de Angel Villoldo. Lo busqué en Spotify pero no lo encontré. Luego lo descubrí en Youtube, era una grabación de 1908.
Me fui en dirección sur mientras llamaba a Z para saber qué opinaba. Me contestó “Made in Argentina” de Mala Fama y la agregué a la lista. Seguí deambulando durante cuadras en soledad, buscando y buscando la canción porteña. Llegué al Obelisco y me senté a mirar las luces desde la plaza que lo rodea. En ese momento me di cuenta. No estaba encontrando la respuesta. Mi búsqueda derivó en una calle sin salida. O más bien, en una avenida de numerosas ramificaciones. Son muchas las canciones de Buenos Aires.
Los días siguientes la pregunta se convirtió en obsesión y la respuesta seguía sin aparecer. Hasta que una tarde Juan me sugirió que haga foco en el sonido de la ciudad, en su ruido, más allá de la música.
“64 tonos de Buenos Aires” es un piano vertical de 31 metros en el cruce de las avenidas Corrientes y Callao, uno de los centros neurálgicos de la ciudad. El espectro de 64 tonos podría bien remitir a un pedazo de cielo azul, al rojo de la línea B del subte, al amarillo de un taxi, al verde de un pañuelo, al blanco del obelisco, al negro de un pocillo de café, al gris del asfalto, al naranja de un transporte escolar, al bordó de un ladrillo, a los colores de un colectivo, a las banderas de una marcha, a los infinitos matices grises de la arquitectura porteña y, reposando sobre ella, a los reflejos del Sol. Estos tonos y muchos más se encuentran en la atmósfera de esta esquina. Asimismo, yo creo que también pueden oírse.
No encontré la canción de Buenos Aires. Sin embargo, descubrí una ciudad dirigiendo una orquesta.
PD: allá arriba, cerca del cielo, a 31 metros del piso, en el primer tono azul, incrustado en la pared, hay un texto escrito en un papel. ¿Qué dice? Te invito a escribir en 64tonosdebuenosaires.com.ar
PD2: siento importante comentar que esta obra nació de la mano de la autogestión. Es una gran emoción tener la oportunidad de trabajar junto a tantos amigxs en este punto tan simbólico de la ciudad. Salud!
Gracias a Antonin Hako, Rodrigo Rodriguez, Natali Aboud, Facundo Cruz, Andrés Gorzycki, Felipe Alvarez Parisi, Z, Juan Laxagueborde, Elian Chali, Andrés Goldberg, Yannick Du Plessis, Julián Pesce, Tito del Aguila, Omar Ramos, Bucle Editorial, Nicolás Pucci, Sonia Pomar, Mara Wainer y Adolfo Pomar.
Gracias a Buenos Aires ♥
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
“Herencia de Buenos Aires” series
Independent and self-managed project
Acrylic paint on concrete wall
2 x 31 m
2018
Drone by Unlimited.fly and Aerovisuales
Video directed by Orco Videos and Juan Ignacio Zevallos
Web design by Los Caballos: 64tonosdebuenosaires.com.ar
For several months I’ve been talking with friends, taxi drivers, barmen, passers-by and anonymous people about a question that caught my attention: what is the song that represents Buenos Aires?
From Piazzolla to Sumo, from Tana Rinaldi to DJs Pareja, taking in Ca7riel and Soda Stereo, I began to collect the responses on a Spotify playlist called “64 tonos de Buenos Aires“.
One night I went for a walk in the city center. “Amor Buenos Aires” by Jorge López Ruiz was the first track I heard in my headphones. I got lost on Diagonal Norte Av. and San Martín St., looking for clues in a bar or scribbled wall. Someone on a corner sang me a tango written by Angel Villoldo, “El carrero y el cochero”. I looked for it on Spotify but couldn’t find it. Then, I discovered it on YouTube, it was a 1908 recording.
I headed south. I called Z to find out what he thought. His response was “Made in Argentina” by Mala Fama. I added it to the list. I continued to wander for blocks in solitude, looking and looking for the song of Buenos Aires. I reached the Obelisk and sat down to watch the city lights. At this moment I realized it: I was not finding the Buenos Aires song. My search led to a dead end street, or rather, to an avenue of numerous ramifications. There are many songs of Buenos Aires.
The following days the question became an obsession and the song did not appear. Until one night Juan suggested me to focus on the sound of the city, its noise, above and beyond the music.
“64 tonos de Buenos Aires” presents a vertical piano stretching 31 meters high at the intersection of Corrientes and Callao Av., one of the nerve centers of the city. The work offers a spectrum of 64 tones that could refer to a piece of blue sky, the red of the B subway line, the yellow of a taxi, the green of a handkerchief, the white of the Obelisk, the black in a cup of coffee, the gray of the asphalt, the orange of a school bus, the burgundy of a brick, the orange of a bus transport, the flags of a demonstration, the infinite shades of the city architecture and, shining down upon her, the reflections of the Sun.
These tones and many more are present in the atmosphere of this corner. Also, I think they can be heard.
I did not find the Buenos Aires song. Instead, I found a city conducting an orchestra.
PS: up there, close to the sky, 31 meters high from the floor, in the first blue tone, embedded in the wall, there is a text written on a piece of paper. What does it say? I invite you to write in 64tonosdebuenosaires.com.ar
PS2: I feel it is important to note that this work was born from pure self-management. It is a great joy to have the opportunity to work with so many friends in such a symbolic point of the city. Cheers!
Thanks to Antonin Hako, Rodrigo Rodriguez, Natali Aboud, Facundo Cruz, Andrés Gorzycki, Felipe Alvarez Parisi, Z, Juan Laxagueborde, Elian Chali, Andrés Goldberg, Yannick Du Plessis, Julián Pesce, Tito del Aguila, Omar Ramos, Bucle Editorial, Nicolás Pucci, Sonia Pomar, Mara Wainer and Adolfo Pomar.
Thanks to Buenos Aires ♥
En julio 2017 estuve en Tropea, una pequeña ciudad en la costa de Calabria, al sur de Italia. Un día entré al Santuario de la Isla Santa María, un monasterio con un jardín trasero con muchos cactus de diversos tamaños, sobre los que la gente fue escribiendo nombres, números, iniciales, fechas y símbolos ilegibles a lo largo del tiempo: un paseo de esculturas tatuadas.
“Tropea” es el primer número de Salmon Mix Mag. Presenta 23 fotografías de cactus que tomé en el jardín. Luego las repartí entre 23 personas. Cada una recibió una imagen diferente para escribir un relato, una historia, un poema, una crónica, un párrafo, una frase, lo que sea, del largo que quiera y como quiera. Por último, pedí que firmaran el texto con su nombre, iniciales o pseudónimo.
Publicado por Bucle Editorial
1º edición: 100 copias (abril 2018)
Selladas y numeradas
Fotografías 35 mm tomadas con cámara PENTAX PC-330
52 páginas
Textos en español
Impresión color en offset digital
Encuadernación acaballado
Tapa y contratapa blandas
Papel Obra 185 g/m2
21 x 29 cm
185 g
Impreso en Buenos Aires, Argentina
➝
In July 2017 I was in Tropea, a small town on the coast of Calabria, southern Italy. One day I entered to the Sanctuary of Santa María Island, a monastery with a back garden with many cactus of different sizes, on which people wrote names, numbers, initials, dates and illegible symbols over time: a walk of tattooed sculptures.
“Tropea” is the first issue of Salmon Mix Mag. It presents 23 photographs of the cactus that I took in the garden. Then I distributed the images among 23 people. Each one received a different picture to write a story, a poem, a chronicle, a paragraph, a sentence, whatever, without any limits. Finally, I asked to sign the text with their name, initials or pseudonym.
Published by Bucle Editorial
1º edition: 100 copies (April 2018)
Sealed and numbered
35 mm photographs taken with PENTAX PC-330 camera
52 pages
Spanish texts
Color digital offset printing
Staple binding
Soft cover and back cover
185 g
21 x 29 cm
Printed in Buenos Aires, Argentina
Baikalsk, Siberia, Russia 🇷🇺
Baikal Totem International Cultural Forum
Curado por Street Art Institute
Pintura acrílica sobre muro de concreto
11 x 13 m (díptico)
2017
Baikalsk es una pequeña ciudad ubicada en la orilla sur de Baikal, el lago más profundo del mundo y una de las reservas de agua dulce más importantes.
Durante los años sesenta, bajo el régimen de la U.R.S.S., una fábrica de celulosa llamada “BCBK” se instaló en la zona . Durante 50 años los desechos tóxicos se descartaron en el lago, contaminando el agua hasta el cierre de la fábrica en 2013.
“Baikal Totem” es un foro cultural internacional nacido en 2014 en Irkutsk, una de las ciudades más importantes de Siberia. El objetivo del proyecto es crear conciencia a través de intercambios culturales sobre el lago y las fuentes de agua dulce en Rusia.
➝
Baikalsk, Siberia, Russia 🇷🇺
Baikal Totem International Cultural Forum
Curated by Street Art Institute
Acrylic paint on concrete wall
11 x 13 m (diptich)
2017
Baikalsk is a small town located on the southern shore of Baikal, the deepest lake in the world and one of the most important freshwater reserves.
During the sixties, under the regime of the U.S.S.R., a cellulose factory called “BCBK” was installed in the area. For 50 years the toxic waste was discarded in the lake, polluting the water till the factory closing in 2013.
“Baikal Totem” is an international cultural forum born in 2014 in Irkutsk, one of the most important cities of Siberia. The focus of the project is to raise awareness through cultural exchanges about the lake and the freshwater sources in Russia.
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Mart Aire
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto
6 x 5 m
2017
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Mart Aire
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall
6 x 5 m
2017
Editado y publicado por Bucle Editorial
Textos: Sebastián Roitter
Traducción: Johanna Hardwick
Producción y materialización: Pire Taller
Video por Axel Byrfors, Pablo Bernst y Camarón Estudio Visual
1° edición: 120 copias (mayo 2017)
2° edición: 100 copias (septiembre 2017)
3° edición: 500 copias (noviembre 2018)
Selladas y numeradas
88 páginas
Textos en español e inglés
Impresión color en offset digital
Encuadernación cosida
Tapa rígida + faja impresa en Letterpress
Papel Arcoprint 118 g/m2
15 x 21.5 x 1.5 cm
300 g
ISBN 978-987-42-9451-7
Impreso en Buenos Aires, Argentina
La primera de las tres ediciones de “SMILE OR DIE” se financió colectivamente gracias al apoyo de 81 colaboradores a través de un proyecto de micromecenazgo en idea.me
➝
Edited and published by Bucle Editorial
Texts: Sebastián Roitter
Translation: Johanna Hardwick
Production and materialization: Pire Taller
Video by Axel Byrfors, Pablo Bernst and Camarón Estudio Visual
1º edition: 120 copies (May 2017)
2º edition: 100 copies (September 2017)
3º edition: 500 copies (November 2018)
Sealed and numbered
88 pages
Texts in Spanish and English
Color digital offset printing
Stitched binding
Hard cover + girdle printed in Letterpress
Arcoprint paper 118 g/m2
15 x 21.5 x 1.5 cm
300 g
ISBN 978-987-42-9451-7
Printed in Buenos Aires, Argentina
The first of the three editions of “SMILE OR DIE” was collectively financed thanks to the support of 81 collaborators through a crowdfunding project at idea.me
Mostar, Bosnia-Herzegovina 🇧🇦
Street Arts Mostar
Curado por Marina Mimoza
Pintura acrílica sobre muro de concreto
8 x 14 m
2017
Mostar es una pequeña ciudad al sur de Bosnia-Herzegovina, situada en una zona donde conviven bosnios, croatas, serbios, musulmanes y católicos ortodoxos, entre otras culturas.
El mural se encuentra en la calle Abrašević, donde una vez existió una línea de fuego durante la guerra de Bosnia (1992 – 1995). Algunas construcciones de la zona, todavía en ruinas, muestran sus paredes repletas de agujeros de balas. Según me contaron los vecinos, “en este mismo suelo los soldados se enfrentaron a los tiros y el edificio que estás pintando se encontraba destruido”.
Durante el primer día de trabajo, un vecino llamado Mario se acercó al andamio. Me dijo que le gustaría que quede intacto algún espacio del color original de la pared, amarillo pastel, que se puede ver en el cuadrante H8.
Al día siguiente, apareció una mujer llamada Slata, gritando en bosnio que los colores blancos y rojos de B3 le recordaban a la bandera de Croacia. Un vecino que intentó calmarla me tradujo luego que el ejército croata mató a su marido durante la guerra. Transformé la combinación de colores borrando el blanco con pintura azul. Slata se calmó, nos dimos la mano y me convidó café. Por último, me pidió que dibuje en la pared a su perro llamado “Pongui”.
El tercer día entró en escena otra persona, también a los gritos. No quería ver estrellas amarillas sobre el fondo azul. Argumentaba que era una referencia a la bandera de Bosnia-Herzegovina. Esa misma tarde, otro hombre llamado Boris también hizo notar su enojo: la luna creciente y las estrellas le recordaban al Islam. Entonces, la luna se cerró en un círculo y pinté más estrellas, reconfigurando la posición de los elementos, donde en principio se presentaban 32 figuras en total, como la cantidad de fichas del ajedrez.
Boris volvió al día siguiente. Parado frente a la pared, contempló el mural en silencio durante quince minutos. De repente, empezó a gritarme en bosnio. Yo lo observaba desde el segundo piso del andamio, sin saber qué responder. De pronto, el hombre inmóvil y en silencio, ejecuta un gesto teatral. Desenfunda un revolver imaginario de su bolsillo y gatilla dos veces. Yo me quedo perplejo y repito el mismo gesto, agregando al final un signo de pregunta con la mano, tal como hacemos los argentinos e italianos con los dedos juntos apuntando hacia arriba. Se acerca un fotógrafo del festival y conversa con Boris. Me comenta que es un veterano de guerra, que está medio loco, que habla un dialecto difícil pero pudo comprender que en este mismo lugar vió gente matándose durante la guerra. Mario y otro hombre aparecen en escena. Marina, directora del festival, se acerca al lugar y conversa con todxs. Ninguno quiere formas cuadradas en el dibujo porque les hace pensar en la bandera croata. Agregan que tantos cuadrados de color negro representan a la muerte. Me sugieren que dibuje fichas de ajedrez como un caballo o una torre. Marina, entre divertida y nerviosa con la situación, comienza a preguntarle a los transeúntes que caminan por Abrašević:
“¿Qué ven en esta pintura?”, a lo que algunos responden:
-una alfombra.
-un juego de damas.
-un sol.
-un conjunto de colores.
-un dibujo de un niño.
-Joan Miró.
-un tablero de ajedrez.
-un cielo.
Mario y los otros dos, por más que prestan atención, mantienen su opinión con firmeza: no les gusta la obra. Comienza una discusión de 3 horas. Mientras tanto, yo me voy a un bar a tomar café y escribir. Cuando vuelvo ya se habían ido. Al rato, un hombre con su hijo, vecinos del barrio, me dicen que se enteraron de la discusión, de las opiniones desencontradas pero que a él y su familia les encanta el mural.
El último día de trabajo una señora nos amenaza desde su auto rojo con llamar a la policía, porque según me traduce Zakky Zadro, artista local, no le parece bien pintar las paredes. Transcurre una hora y efectivamente llegan dos policías. Nos invitan a ingresar en su camioneta a Zakky Zadro, Camilo Theic, Nicolás Alfalfa y a mí sin dar mucha explicación. Llegamos a la comisaría y nos depositan en una oficina. Para pasar el tiempo, juego un partido de ajedrez con Nicolás. Una hora más tarde, aparece Marina y nos liberan.
Volvemos a Abrašević y seguimos pintando. El mural queda terminado al cubrir los balcones del primer, segundo y tercer piso. A la tarde noche aparece la dueña del tercero. Quiere su balcón tal como estaba y no de color verde.
Al día siguiente escapamos de la ciudad rumbo a Dubrovnik y luego Sisak, Croacia. Tres días más tarde Marina me envía una foto del mural sin los andamios. Misteriosamente, aparecieron tres círculos amarillos en los cuadrantes C1, E1 y G1.
Una semana más tarde, Marina me envía otra foto en la que aparecieron tres triángulos amarillos en B2, F2 y H2.
Preguntas:
¿Cuándo queda terminada una obra en el espacio público?
¿Quién es el autor?
¿A quién le pertenece? ¿Al artista que la ejecuta? ¿A los habitantes del barrio que la viven diariamente? ¿A los que la modifican a través del tiempo? ¿A todxs juntos?
¿Es posible jugar un partido de ajedrez de 38 piezas?
¿Qué otros elementos se pueden agregar o sustraer en este mural?
¿De qué modo influyen los agentes externos durante el proceso de creación? ¿Hasta qué nivel?
¿Pintar en el espacio público sensibiliza a las personas?
¿Puede una obra dentro de una institución jerarquizada generar el mismo nivel de sensibilidad?
¿Qué es una bandera mas allá de una disposición arbitraria de colores?
¿Una combinación de colores determinada justifica la muerte del otro?
¿Los colores son símbolos?
¿La guerra y el juego, son nociones antagónicas?
¿Debería haber pintado a “Pongui”?
Gracias a Camilo Theic, Florencia Fitz, Nicolás Alfalfa y Zakky Zadro.
➝
Mostar, Bosnia-Herzegovina 🇧🇦
Street Arts Mostar
Curated by Marina Mimoza
Acrylic paint on concrete wall
8 x 14 m
2017
Mostar is a small town in the south of Bosnia-Herzegovina, located in a mountainous area where many cultures live, including Bosnians, Croats, Serbs, Muslims and Orthodox Catholics.
The mural is located on a place called Abrašević, where there was once a line of fire during the Bosnian war (1992 – 1995). Some buildings in the area, still in ruins, show walls peppered with bullet holes. The neighbors told me that “many soldiers fought on this ground and the building you are painting was completely destroyed”.
During the first day of work, a neighbor named Mario appeared close to the scaffold. He told me that he would like to see some spaces of the wall original color – pastel yellow – which can be seen in the H8 quadrant.
The next day, a woman named Slata started to shout some words in Bosnian, saying that the white and red colors of B3 reminded her of the Croatian flag. A neighbor who tried to calm her down translated for me afterwards that the Croatian army killed her husband during the war. So I transformed the color combination by erasing the white with blue paint. Slata calmed down, we shook hands and then she got me a coffee. Finally, she asked me to draw her dog “Pongui” – a toy poodle- on the wall.
The third day, another person appeared on the scene, also shouting. He did not want to see yellow stars on the blue background. He argued that it was a reference to the Bosnia-Herzegovina flag. That same afternoon, another man called Boris also expressed his anger: the crescent moon and the stars reminded him of Islam. So the moon closed into a circle and I painted more stars, reconfiguring the position of elements in the work, where at a first sight there were 32 figures in total, the number of pieces in a chess set.
Boris returned the next day. Standing in front of the wall, he stared at the mural in silence for fifteen minutes. All at once, he started yelling at me in Bosnian. I watched him from the second floor of the scaffold, without knowing what to answer. Suddenly, he executes a theatrical gesture. He unfolds an imaginary revolver from his pocket and pulls the trigger twice. I look at him, perplexed, and repeat the same gesture, adding a question mark with my hand, as we Argentinians and Italians do, with the fingers all together facing up. A photographer of the festival approaches and talks to the man. He tells me later that he is a war veteran, quite mentally ill, who speaks a difficult dialect but he could understand that in this same place he saw people killing during the war.
Mario and another man appear on the scene. Marina, the festival director, arrives at the place and starts to talk with them. None of these men like square shapes because it makes them think of the Croatian flag. And so many black squares represents death. They suggest I draw colored chess figures like the knight or the rook. Marina, amused and nervous about the situation, begins to ask people walking around Abrašević:
“What do you see in this painting?”, to which some respond:
-a carpet.
-a checkers board.
-a sun.
-a set of colors.
-a child’s drawing.
-Joan Miró.
-a chess board.
-a sky.
But Mario and the other two men do not like the painting. A three hour discussion starts. In the meantime, I go to a bar to drink coffee and write. When I got back to the wall, everyone was gone. A man with his son that lives in the neighbourhood tell me that they heard about the conflictive discussion but that he and his family love the mural.
On the last day of work, a lady threatens us from her red car with a call to the police, because she thinks that painting walls is wrong. An hour goes by and two policemen arrive. We are asked to enter into the van with Zakky, Camilo Theic and Nicolás Alfalfa, without explanation. We arrive at the police station and to pass the time, I play chess with Alfalfa. One hour later, Marina appears at the station and then we are free.
We come back to Abrašević and continue to paint. The mural is finished when I cover the balconies of the first, second and third floors. In the evening, the owner of the third appears and tells me that she wants her balcony white and not green.
The next day we left the city by bus to Dubrovnik and then to Sisak, Croatia. Three days later, Marina sends me a photo of the mural without the scaffolding. Mysteriously, three yellow circles appeared in C1, E1 and G1.
A week later, Marina sends me another photo in which three yellow triangles appeared in B2, F2 and H2.
Questions:
When is a work in public space finished?
Who is the author?
Who does it belong to? To the artist who runs it? To the inhabitants of the neighborhood? To those who change it over time? To all of them together?
Is it possible to play a 38-piece chess match?
What else can you add or subtract from this mural?
How do external agents have an influence during the process? To what level?
Does painting in a public space sensitize people?
Can a work in a hierarchical institution generate the same level of sensitivity?
What is a flag beyond an arbitrary combination of colors? Does a determined color combination justify the death of another?
Are colors symbols?
Are war and play antagonistic notions?
Should I have painted the toy poodle “Pongui”?
Thanks to Camilo Theic, Florencia Fitz, Nicolás Alfalfa and Zakky Zadro.
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboración junto a Antonin Hako
Pintura acrílica sobre muro de concreto
25 x 8 m
2017
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboration with Antonin Hako
Acrylic paint on concrete wall
25 x 8 m
2017
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Dársena Bar
Colaboración junto a Alberonero
Pintura acrílica sobre muro de concreto
40 x 12 m
2017
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Dársena Bar
Collaboration with Alberonero
Acrylic paint on concrete wall
40 x 12 m
2017
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboración junto a Antonin Hako
Pintura acrílica sobre muro de concreto
8 x 6 m
2017
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboration with Antonin Hako
Acrylic paint on concrete wall
8 x 6 m
2017
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Alberonero
Pintura acrílica sobre muro de concreto
6 x 4 m
2017
➝
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Alberonero
Acrylic paint on concrete wall
6 x 4 m
2017
Zaspa, Gdansk, Poland 🇵🇱
Monumental Art Festival
Curado por Piotr Szwabe
Pintura acrílica sobre muro de concreto
12 x 36 m
2016
Seleccioné veinte banderas nacionales con el símbolo del Sol en su diseño: Tibet, Nepal, Argentina, Moldavia, Malasia, Filipinas, Kiribati, Mongolia, Bandera de los Aborígenes de Australia, Japón, Bangladesh, Uruguay, Kazajistán, Taiwán, Níger, Antigua y Barbuda, Malaui, Macedonia, Ruanda y por último Polonia. Unidas, construyen un camino hacia la luz.
Detalle: Lech Wałęsa vivió en este edificio en la década del ochenta. Fue líder del movimiento “Solidaridad”, Premio Nobel de la Paz en 1983 y primer presidente de Polonia luego de la caída del régimen comunista (1990 – 1995).
➝
Zaspa, Gdansk, Poland 🇵🇱
Monumental Art Festival
Curated by Piotr Szwabe
Acrylic paint on concrete wall
12 x 36 m
2016
I selected twenty national flags with the symbol of the Sun in its design: Tibet, Nepal, Argentina, Moldova, Malasia, Philippines, Kiribati, Mongolia, Australian Aboriginal Flag, Japan, Bangladesh, Uruguay, Kazakhstan, Taiwan, Niger, Antigua and Barbuda, Malawi, Macedonia, Rwanda and finally Poland. United, they build a path to the light.
Detail: Lech Wałęsa used to live in this building during the eighties. He was the leader of “Solidarity” movement, 1983 Nobel Peace Price and first president of Poland after the fall of the communist regime (1990 – 1995).
Neuquén, Argentina 🇦🇷
Residencia Ualaual
Curada por Ignacio Iturrioz
Pintura acrílica sobre muro de concreto y ladrillo
29 x 9 m
2016
➝
Neuquén, Argentina 🇦🇷
Ualaual Residence
Curated by Ignacio Iturrioz
Acrylic paint on concrete and brick wall
29 x 9 m
2016
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Festival Urbana
Serie “Herencia de Buenos Aires”
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto y persiana de metal
14 x 10 m
2016
El Código Internacional de Señales es un sistema de comunicación inventado para navegar en alta mar. Cada letra del alfabeto y cada número son representados por una bandera. El sistema fue creado en el siglo XIX antes de la invención de la radio para que barcos y puertos intercambien información técnica y funcional, incluso para declarar una guerra.
¿Y si el mensaje fuera un poema? ¿Una carta de amor? ¿Una canción?
En 1983 Luis Alberto Spinetta, nacido en el barrio Bajo Belgrano, compuso “Canción de Bajo Belgrano” junto a su banda Spinetta Jade. Esta obra traduce los últimos dos versos.
➝
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Urbana Festival
“Herencia de Buenos Aires” series
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall and metal curtain
14 x 10 m
2016
The International Code of Signals is a communication system used in maritime navigation. The letters of the alphabet and numbers are represented by a flag. The system was created in the 19th century before the invention of the radio for technical and functional information exchange between ships and ports, even for war declarations.
And what if the message is a poem? A love letter? A song?
In 1983 Luis Alberto Spinetta, born in Bajo Belgrano neighborhood, composed “Canción de Bajo Belgrano” with his band Spinetta Jade. This work translates the last two verses.
➝
“La mañana lanza llamas
Desde su herida, débilmente
Calidoscopio de ciudad y vos tan sólo
Tu ropa está vacía
Tan lejos del hogar estás
Que todo sueño duele más
Y ya no hay forma de recomenzar
Los gorriones se suben a todo
Armiño luminoso
Tango de caras, organillero distinto
Sentado en la avenida
Y ya nadie te escucha nunca
Desolado el hombre perdido
Entre camionetas quemadas
En aserrín habrán marcado su mirada
Como a una huella
Y esta siempre se diluye
Como ojos, barro, cielos, todo
Bajo Belgrano, amor ascendente
Es ella quien te busca donde vos no estás
Y es que toda tu canción persistirá
Siempre, siempre, y hasta en el turbio río
Horizonte, litera de casas
Perpetuo remolino y mediodía distante
Y vos estás tan sólo, loco, iridiscente
Tu ropa está vacía
Y ya nadie te escucha nunca
Todos dicen que quizás el amor vuelva un día
Si es que este muro se logra derribar”
Villa El Chocón, Neuquén, Argentina 🇦🇷
Museo Municipal Paleontológico Ernesto Bachmann
Residencia Ualaual
Curado por Ignacio Iturrioz
Pintura acrílica sobre muro de concreto
18 x 5 m
2016
El Argentinosaurus Huinculensis es uno de los animales terrestres más grandes de los que se tiene conocimiento, con una longitud de 33 m y un peso de 73 toneladas. Sus vestigios óseos fueron descubiertos por Guillermo Heredia en una estancia rural cerca de Plaza Huincul, Neuquén, Argentina.
En el Museo Ernesto Bachman, a pocos kilómetros de Plaza Huincul, se encuentra el esqueleto del dinosaurio carnívoro más grande del mundo, el Giganotosaurus Carolinii (reptil gigante del sur), hallado por Rubén Carolini en las cercanías de Villa El Chocón.
Si bien no se sabe con exactitud si los dos animales vivieron en el mismo período, he aquí la mordida de un Giganotosaurus Carolinii sobre el lomo de un Argentinosaurus Huinculensis: un argentino mordido por otro argentino.
➝
Villa El Chocón, Neuquén, Argentina 🇦🇷
Museo Municipal Paleontológico Ernesto Bachmann
Ualaual Residence
Curated by Ignacio Iturrioz
Acrylic paint on concrete wall
18 x 5 m
2016
The Argentinosaurus Huinculensis is one of the largest animals known, with a length of 33 m and a weight of 73 tons. His skeleton was discovered by Guillermo Heredia in a rural area near Plaza Huincul, Neuquén, Argentina.
In the Ernesto Bachman Museum, a few kilometers away from Plaza Huincul, remains the skeleton of the largest carnivorous dinosaur in the world, the Giganotosaurus Carolinii (giant southern reptile), found by Rubén Carolini close to Villa El Chocón.
It is not known precisely if the two animals lived in the same period but here it is the bite of a Giganotosaurus Carolinii on the back of an Argentinosaurus Huinculensis: an Argentine bitten by another Argentine.
La Boca, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Color BA
Curado por Collage Lab
Serie “Herencia de Buenos Aires”
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto y persiana de metal
13 x 9 m
2016
Fotos de Julieta Sarraf
La Boca, uno de los barrios más antiguos de la ciudad, está ubicado en el puerto, donde se fundó la primera Buenos Aires en el siglo XVI. A fines del siglo XIX el Río de la Plata se convirtió en una entrada clave hacia el interior del continente americano, absorbiendo una gran ola inmigratoria de Europa y países aledaños. Aquí empezaron a confluir diversas culturas, oriundas principalmente de ciudades como Génova, Italia y Galicia, España. El barrio se erigió con chapa, madera, pintura sobrante de los barcos y posteriormente con hormigón y cemento, dando lugar a diferentes estilos arquitectónicos, como las casas conventillo, la arquitectura italianizante y las típicas molduras y ornamentos porteños.
El 3 de abril de 1905 nació el Club Atlético Boca Juniors, apodado “Xeneizes”, cuya etimología proviene de la palabra “genovés”. Cuenta la leyenda que los colores fueron elegidos por Juan Rafael Brichetto, operador de la dársena sur del puerto. Brichetto propuso adoptar los colores de la bandera del primer buque que apareciera a la mañana siguiente. El navío que arribó flameaba una bandera Sueca, por lo tanto, el azul y el amarillo dieron identidad al club de fútbol.
Esta casa fue construida en 1895 por genoveses. Aquí fundaron una panadería con un horno de 7 m de diámetro, aún en funcionamiento. Los dueños actuales descienden de familia gallega, arribada al país en la década del ´40.
Esta obra es una intento de refrescar y reafirmar la historia e identidad del barrio en tiempos de renovación urbana. Los escudos representan al barrio de La Boca, la ciudad de Génova, la comunidad autónoma de Galicia, el Club Atlético Boca Juniors y la bandera representa a Suecia.
➝
La Boca, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Color BA
Curated by Collage Lab
“Herencia de Buenos Aires” series
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall and metal curtain
13 x 9 m
2016
Photos by Julieta Sarraf
La Boca, one of the oldest neighborhoods, is located in the port, where the first Buenos Aires was founded in the 16th century. In the late 19th century the River Plate became one of the most important gateways into the American continent, welcoming a large wave of europeans and nearby countries. Different cultures settled in the area, mainly from cities like Génova, Italy and Galicia, Spain. The neighborhood was built out with metal, wood, leftover paint from the ships and later on with concrete and cement, leading to different architecture styles such as tenement houses or typical Buenos Aires ornamentations and moldings.
Club Atlético Boca Juniors was founded on April 3, 1905 and nicknamed “Xeneizes”, whose etymology comes from the word “genovese”. According to the legend, the colors were chosen by Juan Carlos Brichetto, one of the port bridges operator. He proposed to adopt the colors of the flag of the first ship that appeared the next morning. A swedish flag was waving in the first ship he saw, therefore blue and yellow gave identity to the football club.
This house was built in 1895 by genoveses. They founded a bakery with a 7 m diameter oven in the ground floor, nowadays still working. The current owners are descendents from a galician family that arrived to the country in the 40´s.
This artwork is an attempt to refresh and reinforce the history and identity of the neighborhood in a period of urban renewal. The shields represent the neighborhood of La Boca, the city of Génova, the Autonomous Community of Galicia, the Club Atlético Boca Juniors and the flag represents Sweden.
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Colaboración con Gordopelota
Pintura acrílica sobre muro de concreto
16 x 4 m
2016
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboration with Gordopelota
Acrylic paint on concrete wall
16 x 4 m
2016
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Pablo Harymbat
Pintura acrílica sobre muro de concreto y ladrillo
7 x 5 m
2016
➝
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Pablo Harymbat
Acrylic paint on concrete and brick wall
7 x 5 m
2016
Kamenets-Podolski, Ucrania 🇺🇦
Respublica Festival
Curado por Andriy Zoin
Pintura acrílica sobre muro de concreto
6 x 18 m
2015
Diez formatos de banderas nacionales y militares.
➝
Kamenets-Podolski, Ukraine 🇺🇦
Respublica Festival
Curated by Andriy Zoin
Acrylic paint on concrete wall
6 x 18 m
2015
Ten national and military flag formats.
Ivano-Frankivsk, Ucrania 🇺🇦
Residencia Warm City
Curado por Vitalii Hrekh
Esmalte sintético sobre muro de concreto
8 x 11 m
2015
➝
Ivano-Frankivsk, Ukraine 🇺🇦
Warm City Residence
Curated by Vitalii Hrekh
Synthetic enamel on concrete wall
8 x 11 m
2015
Bushtyno, Ucrania 🇺🇦
Black Circle Festival
Esmalte sintético sobre muro de concreto y ladrillo
40 x 15 m
2015
➝
Bushtyno, Ukraine 🇺🇦
Black Circle Festival
Synthetic enamel on concrete and brick wall
40 x 15 m
2015
Ivano-Frankivsk, Ukraine 🇺🇦
Residencia Warm City
Curado por Vitalii Hrekh
Pintura acrílica sobre muro de concreto (díptico)
7 x 6 m
2015
Siglo XXI, Ucrania y Rusia están en guerra
La obra muestra cuatro círculos que representan diagramas y dos muestrarios que indican los colores utilizados en este mural.
Según determinadas estadísticas estudiadas a partir de diversas fuentes de información oficiales y no oficiales y por propia deducción in-situ, el primer diagrama de color azul y rojo representa a la población de Ucrania. El azul simboliza a los individuos pro-Ucrania y el rojo a los individuos pro-Rusia.
El segundo diagrama presenta ocho octavos del mismo tamaño en colores primarios, secundarios, blanco y negro, cada uno ordenados frente a frente con su complementario. Esta conjunción representa la convivencia, demostrando que el antagonismo es una condición inevitable para la vida. Por otro lado, representa una pizza de ocho sabores que alude a la diversidad.
El tercer diagrama es un “medidor de violencia”. El azul puro y su escala de tonos situados en la cima del círculo simbolizan a las energías más livianas relativas a una situación de paz, mientras que el rojo puro y sus variantes situados en la base del círculo representan una situación de mayor violencia y a energías más pesadas.
El cuarto diagrama representa a los individuos que se oponen a la guerra y a la violencia. Por consiguiente, estos se encuentran en contacto directo con “la luz” en comparación a los que sí apoyan la guerra y la violencia. Este último diagrama simboliza al Sol, 100% pleno de color y lleno de “ la luz”.
Sin embargo, los diagramas no son más que hermosas formas geométricas que estudian números en determinado contexto y no representan a la guerra, mucho menos a la realidad.
La realidad es que hay una guerra.
➝
Ivano-Frankivsk, Ukraine 🇺🇦
Warm City Residence
Curated by Vitalii Hrekh
Acrylic paint on concrete wall (dyptich)
7 x 6 m
2015
21st century, Ukraine and Russia are at war
This artwork shows four circles and two color swatches showing the palette used in the mural.
According to certain statistics drawn from both oficial and non official sources of information and from personal conclusions reached in-situ through conversations, the first blue and red pie chart represents the people of Ukraine. Blue symbolizes pro-Ukranian individuals and red symbolizes pro-Russian individuals.
The second diagram shows eight eighths in primary, secondary, black and white colors, each one laid face to face with its complementary. This conjunction represents coexistence, proving that antagonism is an inevitable condition for life. Moreover, it also represents a pizza with eight flavors, alluding to diversity.
The third diagram is a “violence calculator”. Pure blue and its gradient symbolize a light energy related to a peaceful situation. The pure red and its scale refer to a heavier energy related to violence.
The fourth diagram symbolizes the Sun, 100% full of color and full of “the light”. It represents those individuals who oppose war and violence. They are therefore in direct contact with “the light” compared to those who do support war and violence.
However, diagrams are beautiful geometric shapes that study numbers in a given context and do not represent war or violence, neither reality.
The reality is that there is a war.
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintura acrílica sobre muro de concreto
Dimensiones variables
Esta serie de trabajos fue publicada e impresa en el segundo número de Hymen magazine en Oslo, Noruega
2015
Durante el mes de noviembre de 2015 me propuse realizar una serie de seis obras muy simples y concretas bajo ciertas condiciones.
Condiciones:
-Limitar mi lenguaje visual a un círculo sobre un fondo.
-Limitar mi lenguaje visual a la selección de dos colores plenos: azul, rojo, amarillo, verde o gris.
-Mantener la figura geométrica con una proporción determinada en relación a la forma y tamaño del muro.
-Centrar la figura geométrica en el espacio.
-Registrar la obra en la puesta del Sol.
-Registrar la obra en su contexto espacial.
-Registrar la obra de modo frontal, desde el borde de la vereda del lado opuesto.
Preguntas:
Mientras pintaba distintas personas se acercaron con la misma pregunta:
“Qué significa lo que estás pintando?”.
Ante esta pregunta siempre respondo con otra pregunta:
“Qué significa para usted?”
Respuestas:
La mayoría asoció de manera directa los colores con elementos del imaginario popular argentino:
-Equipos de fútbol: San Lorenzo de Almagro, Tigre, Boca Juniors.
-Carnaval.
-Campaña política del PRO (seguido de un chiste irónico).
Un pequeño grupo de gente mencionó la bandera de Japón.
También hubo un par de respuestas inesperadas:
-La navidad.
-Un punto.
-Una pelota.
-Un anillo.
-Un plato.
-Un sombrero.
-Un sombrero mexicano.
-Una rueda.
-Un reloj.
-Un planeta.
-Neptuno.
-Un auto.
-Un ojo.
-La letra O.
-La Luna.
-Nada.
-Una luz.
-Una linterna.
-Una ventana.
-Una puerta a otra dimensión.
-Una cara.
-Una cabeza.
-Una persona.
-Marte.
-Bauhaus.
-Una bandera.
Nadie nombró al Sol.
➝
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Acrylic paint on concrete wall
Variables dimensions
These series of works were published and printed in the second issue of Hymen magazine in Oslo, Norway
2015
During the month of November 2015 I decided to make a series of six, very simple and solid murals under a series of specific conditions.
The conditions:
-To limit my visual language to a circle on a background.
-To limit my visual language to a selection of two plain colors, chosen from a palette of blue, red, yellow, green or gray.
-To maintain the geometric shape with certain proportions relative to the size and shape of the wall.
-To center the geometric figure in space.
-To document the work at sunset.
-To document the work in its spatial context.
-To document the work from a frontal view.
-To document the work from the edge of the sidewalk on the opposite side of the road.
The questions:
While I was painting, different people came up to me asking the same question:
“What is the meaning behind your work?”.
I always respond to this question with another question:
“What does it mean to you?”
The answers:
The majority associated the colors with elements found in the Argentine people’s vivid imagination:
-Football teams: San Lorenzo de Almagro, Tigre, Boca Juniors.
-Carnival.
-Political campaign for PRO (followed by an ironic joke).
A smaller group of people talked about Japan’s flag.
I also got a few unexpected answers:
-Christmas time.
-A dot.
-A ball.
-A ring.
-A dish.
-A hat.
-A mexican hat.
-A wheel.
-A clock.
-A planet.
-Neptune.
-A car.
-An eye.
-A letter O.
-The Moon.
-Nothing at all.
-A light.
-A flashlight.
-A window.
-A door to a different dimension.
-A face.
-A head.
-A person.
-Mars.
-Bauhaus.
-A flag.
-A fire in the hole.
No one said anything about the Sun.
Isla Maciel, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Festival Pintó La Isla
Curado por Gerardo Montes de Oca
Serie “Herencia de Buenos Aires“
Pintura acrílica sobre muro de concreto
10 x 6 m
2015
Isla Maciel, que en realidad no es una isla, es un barrio ubicado en Dock Sud, la zona portuaria de Buenos Aires. A fines del siglo XIX el Río de la Plata se convirtió en una entrada clave hacia el interior del continente Americano, absorbiendo una gran ola inmigratoria de Europa y países aledaños. Precisamente en Dock Sud empezaron a confluir culturas oriundas de España, Italia, ex-Yugoslavia y Polonia, entre otras. Durante los últimos cincuenta años comunidades de Brasil, Bolivia, Uruguay, Perú y Cabo Verde se instalaron en la zona, creando un contexto multicultural.
La obra se encuentra en la entrada de Isla Maciel. El día que empecé a trabajar se acercaron seis personas de la barra de San Telmo, equipo de fútbol de la primera C con base en Isla Maciel. Su propuesta era que pinte el escudo del equipo en algún lugar de la pared. Les respondí que iba a hacerlo si me ayudaban a trabajar. Luego de una charla dubitativa, cada uno tomó un rodillo y compartimos la calurosa tarde pintando el muro.
El último día de trabajo mucha gente me preguntó por qué no había pintado la bandera Argentina. Pienso que no hacía falta su representación, ya que la obra habla de la historia inmigratoria del país. Por otro lado, el semicírculo amarillo es una analogía del Sol, símbolo presente en la bandera argentina.
En la obra pueden verse las banderas de cada país nombrado, unidas y de algún modo, “aterrizando” en el suelo.
Por último, en la esquina superior derecha se puede observar el escudo del Club Atlético San Telmo.
➝
Isla Maciel, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintó La Isla Festival
Curated by Gerardo Montes de Oca
“Herencia de Buenos Aires” series
Acrylic paint on concrete wall
10 x 6 m
2015
Isla Maciel, which is not actually an island, is a neighborhood in the southern part of Buenos Aires, more precisely in Dock Sud, the port area of the city. At the end of the 19th century and beginning of the 20th century different cultures from Spain, Italy, the former Yugoslavia and Poland converged in this zone. They settled on the banks of the Riachuelo river, at the time enable to swim and nowadays completely contaminated. It quickly became a multicultural region and one of the most important immigration entrances into the American continent.
In the last fifty years different communities settled in the area, such as Brazil, Bolivia, Uruguay, Perú and Republic of Cabo Verde.
The artwork is located right at the entrance of the neighborhood. The day I started to work six supporters of San Telmo football club came to the wall and proposed me to paint the club shield somewhere in the wall. I answered that I was going to do it if they helped me to work. Club Atlético San Telmo plays in the fourth national league division and the stadium is located in Isla Maciel, strongly rooted in Dock Sud culture. After a hesitant moment, each man took a roller and started to work. We shared together the hot and sunny day.
During the last day a lot of people asked me about the absence of the Argentina flag. What I think is that there was no need for his representation. This work talks about the country immigration history. I think that the yellow circle is an analogy of the Sun, a symbol present in Argentina flag that fulfills the function of “unifying element”.
In the artwork you can see the flags of each country named below, united and in somehow, “landing” on the ground. Finally, in the upper right corner you can see the shield of Club Atlético San Telmo.
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración junto a Nelio
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de ladrillo y puerta de metal
14 x 2,5 m
2014
➝
Bajo Belgrano, Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaborarion with Nelio
Acrylic paint and synthetic enamel on brick wall and metal gate
14 x 2,5 m
2014
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Colaboración junto a Pol Corona
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto
16 x 5 m
2015
➝
Mar del Plata, Argentina 🇦🇷
TRImarchi
Collaboration with Pol Corona
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall
16 x 5 m
2015
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintura acrílica, esmalte sintético, tiza y óleo pastel sobre muro de concreto
20 x 5 m
2015
Cada año se invierten $ 1.800.000.000.000 (un billón ochocientos mil millones de dólares) en el negocio de la guerra.
Película “Trece cifras”
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Acrylic paint, synthetic enamel, chalk and oil pastel on concrete wall
20 x 5 m
2015
Each year $ 1,800,000,000,000 (one trillion eight hundred billion dollars) are invested in the war business.
“Trece cifras” film
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Esmalte sintético sobre muro de concreto
7 x 3 m
2015
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Synthetic enamel on concrete wall
7 x 3 m
2015
Paris, France 🇫🇷
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto
14 x 6 m
2014
Fotos de Camille McOuat
➝
Paris, France 🇫🇷
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall
14 x 6 m
2014
Photos by Camille McOuat
Paris, Francia 🇫🇷
Le MUR
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de concreto
8 x 5 m
2014
Fotos de Hélène Laxenaire
Esta obra refleja el negocio de la guerra escondido detrás de la belleza de las banderas. Representa el círculo vicioso construido por individuos no tan distintos entre sí apuntándose con un arma en una ciudad construida por banderas: Reino Unido, China, Rusia, Francia, Alemania y Estados Unidos, principales productores de armamento en el mundo. En la cima se encuentra la bandera de la Organización de las Naciones Unidas. Excepto Alemania, sorpresivamente estos países son los miembros permanentes del Consejo de Seguridad de la ONU.
➝
Paris, Francia 🇫🇷
Le MUR
Acrylic paint and synthetic enamel on concrete wall
8 x 5 m
2014
Photos by Hélène Laxenaire
This work reflects the war business hidden behind the beauty of flags. It represents the vicious circle constructed by similar individuals carrying guns and pointing each other in a city builded by flags: United Kingdom, China, Russia, France, Germany and the United States. These are the principal worldwide weapon producers. On top there is the United Nations flag. Surprisingly, appart from Germany, these countries are the permanent members of the United Nations Security Council.
Atlanta, Georgia, United States 🇺🇸
Esmalte sintético sobre muro de metal
6 x 4 m
2014
➝
Atlanta, Georgia, United States🇺🇸
Synthetic enamel on metal wall
6 x 4 m
2014
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Pintura acrílica sobre muro de concreto
Medidas variables
2014
➝
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Acrylic paint on concrete wall
Variable measures
2014
Paris, France 🇫🇷
La Friche Gallery
27.2.2013 ➝ 3.3.2013
Solo exhibition
Assistance by Raph and Julián Pesce
L’année dernière je croyais qu’un tsunami allait détruire le monde mais il n’est finalement pas arrivé. Désormais, c’est une grande vague de changement qui est survenu sur laquelle nous devons surfer. “SURF 2012” est une compilation d’images qui parlent d’un même univers où la destruction, le chaos et la mutation se montrent dans les espaces communs et quotidiens des humains.
•
El año pasado creía que un tsunami iba a venir a destruir el mundo pero al final no vino. Sin embargo, lo que vino fue una gran ola de cambio que había que aprender a surfear. “SURF 2012” es una recopilación de imágenes que hablan de un mismo universo donde la destrucción, el caos y la mutación se muestran en los espacios comunes del hábitat humano.
Estocolmo, Suecia 🇸🇪
Colaboración junto a Glue IB
Pintura acrílica y esmalte sintético sobre muro de madera
Medidas variables
Trabajo publicado en el libro “Magia y mística”, editado por Jellyfish Editorial
•
Stockholm, Sweden 🇸🇪
Collaboration with Glue IB
Acrylic paint and synthetic enamel on wooden wall
Variable measures
Work published in “Magia y mística” book, edited by Jellyfish Editorial
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Colaboración con Blem
Esmalte sintético sobre muro de concreto, ladrillo y reja de metal
Medidas variables
Asistencia de Vincent Grunwald y Gonzalo Sainz Trápaga
•
Buenos Aires, Argentina 🇦🇷
Collaboration with Blem
Synthetic enamel on concrete wall, brick and metal fence
Variable measures
Assistance by Vincent Grunwald and Gonzalo Sainz Trápaga